Servicios como Spotify y Apple Music sacaron al negocio musical del abismo. Pero, los artistas dicen que no es suficiente para ganarse la vida. Y sus quejas son cada vez más fuertes.
Por Ben Sisario para The New York Times
La razón principal de la crítica de los músicos es cómo se distribuyen los pagos. En Gran Bretaña, más de 150 artistas firmaron una carta pidiendo reformas al primer ministro Boris Johnson. En Estados Unidos, un nuevo grupo de defensa, el Sindicato de Músicos y Trabajadores Afines, exige pagos más altos
Cuando la pandemia golpeó el año pasado, la cantautora británica Nadine Shah vio cómo sus ingresos se agotaban en un instante. Las reservas de conciertos que la sostenían desaparecieron y, a los 34 años, se mudó con sus padres a la costa noreste de Inglaterra.
“Estaba paralizada económicamente”, dijo Shah en una entrevista.
Como músicos en todas partes, que estaban atrapados económicamente, mirando al abismo de sus cuentas bancarias, Shah, cuyas canciones oscuras y eclécticas le han traído elogios de la crítica y un nicho de seguidores, comenzó a examinar su forma de vida como artista. El dinero de las transmisiones de sus canciones en servicios como Spotify y Apple Music era prácticamente inexistente, dijo, sumando “solo unas pocas libras aquí y allá”. Así que se unió a otros músicos desilusionados para organizarse en línea para impulsar el cambio. El otoño pasado, Shah testificó ante un comité parlamentario que ha estado analizando detenidamente la economía del streaming, lo que plantea la posibilidad de una nueva regulación.
“Si nos pagaran un ingreso significativo por transmisión, podría gastarse en las compras semanales; podría contribuir con el alquiler o hipoteca cuando más lo necesite ”, dijo Shah. “Por eso me sentí obligado a hablar de ello. Vi a tantos artistas luchando “.
Nadine Shah es una voz en lo que se ha convertido en un referéndum de base sobre la propia industria de la música.
Shah es una voz en lo que se ha convertido en un referéndum de base sobre la propia industria de la música. En Gran Bretaña, más de 150 artistas, incluidas estrellas como Paul McCartney, Kate Bush y Sting, firmaron una carta pidiendo al primer ministro Boris Johnson reformas en la economía del streaming. En los Estados Unidos, un nuevo grupo de defensa, el Sindicato de Músicos y Trabajadores Afines, ha emprendido una campaña de guerrilla contra Spotify, exigiendo pagos más altos. Los términos de los contratos de las compañías discográficas con los artistas, como las tasas de regalías y la propiedad de las grabaciones, están bajo más escrutinio que nunca. Incluso las reglas de contabilidad fundamentales de la transmisión se han renovado.
Las demandas de los artistas están entretejidas con ira y ansiedad por la degradación del trabajo creativo. Pero los músicos se enfrentan a grandes obstáculos. A pesar de la solidaridad entre muchos artistas mayores e independientes, los artistas pop actuales más exitosos han guardado silencio sobre el tema. Y aunque muchos músicos pintan a Spotify como el enemigo, el cambio a la transmisión en la última década ha hecho que la industria vuelva a crecer después de años de declive financiero.
“Todo esto es una patada”, dijo Tom Gray de la banda Gomez, cuyas disecciones de la transmisión en las redes sociales, etiquetadas como #BrokenRecord , le dieron al movimiento una identidad viral. “¿Podemos aprovechar un momento para argumentar, para capturar la imaginación de la gente sobre un problema que hemos tenido durante años y que está empeorando?”
Un negocio de centavos (y fracciones de centavos)
Las quejas de los artistas sobre el streaming son tan antiguas como el streaming en sí. Poco después de que Spotify llegara a los Estados Unidos en 2011, los músicos comenzaron a revisar sus declaraciones de regalías , generando alarmas sobre las fracciones de un centavo que recibían por cada clic.
En aquel entonces, el streaming era un modelo no probado. Ahora, con Spotify, Apple Music y los servicios de Amazon, Tidal, Deezer y otros, es el modo de consumo dominante y representa el 83 por ciento de los ingresos por música grabada en Estados Unidos. Spotify, que ahora tiene 356 millones de usuarios en todo el mundo, incluidos 158 millones de suscriptores de pago, pagó más de $ 5 mil millones a los titulares de derechos de música en 2020.
La razón de la crítica de los músicos es cómo se distribuye ese dinero. Los principales sellos discográficos, después de contraerse dolorosamente durante gran parte de la década de 2000, ahora están registrando enormes ganancias. Sin embargo, la generosidad del streaming no ha llegado a los músicos, dicen los activistas, y el modelo de las principales plataformas tiende a recompensar en exceso a las estrellas a expensas de todos los demás. Con más música lanzada que nunca, dicen, se ha vuelto casi imposible para cualquier artista que no sea una estrella ganar un salario digno.
“Para mí, no estamos en un período de expansión”, dijo Damon Krukowski del grupo Damon & Naomi, quien es miembro fundador del Sindicato de Músicos y Trabajadores Afines. “Desde la perspectiva individual de los músicos, ha sido una tendencia a la baja de las recompensas por nuestro trabajo”.
Damon Krukowski del grupo Damon & Naomi es miembro fundador del Sindicato de Músicos y Trabajadores Afines
Parte de la disputa es sobre la economía básica del streaming. Spotify, Apple Music y la mayoría de las otras plataformas principales utilizan el llamado sistema prorrateado de distribución de regalías. En este modelo, todo el dinero recaudado de los suscriptores o anuncios durante un mes determinado se destina a un solo bote, que luego se divide por el número total de transmisiones. Si, por ejemplo, Drake tuvo el 5 por ciento de todas las transmisiones ese mes, él (y las compañías que manejan su música) obtienen el 5 por ciento del bote, lo que significa que, efectivamente, obtiene el 5 por ciento del dinero de cada usuario, incluso aquellos que nuncahan escuchado su música.
Este sistema, dicen los críticos, favorece a los artistas con un atractivo masivo. Características como las listas de reproducción (donde las canciones se seleccionan para listas de artistas con muchos seguidores) y las recomendaciones algorítmicas, dicen, también contribuyen a un efecto de red en el que la popularidad conduce a una mayor popularidad, lo que pone a los géneros de nicho en desventaja y amplía la brecha entre los que hacen música.
Las estimaciones de la industria sitúan la tasa de pago de Spotify por grabaciones en alrededor de $ 4,000 por millón de transmisiones, o menos de medio centavo por transmisión. Dado que ese dinero puede pasar a través de una compañía discográfica antes de llegar a un artista, es posible que se necesiten cientos de millones de transmisiones para que un músico obtenga algo sustancial.
El Sindicato de Músicos y Trabajadores Afines ha pedido a Spotify que pague un centavo por transmisión, lo que puede ser imposible con el modelo actual de Spotify: la compañía dice que paga aproximadamente dos tercios de sus ingresos a los titulares de derechos, y esa cantidad depende de los usuarios y streams que tiene el servicio en un momento dado. Spotify también tiene un nivel gratuito que permite a los usuarios escuchar música con anuncios, lo que reduce la cantidad promedio que cada oyente aporta a la compañía. Apple, que no tiene un nivel gratuito y está en guerra con Spotify por cuestiones antimonopolio en Europa, aprovechó esta oportunidad para decir que su servicio Apple Music paga un promedio de alrededor de un centavo por transmisión, contando los pagos tanto por grabaciones como por composición.
En marzo, Spotify publicó un informe en línea, ” Loud & Clear, ” destinado a proporcionar detalles sobre su estructura de pago y responder a los pedidos de transparencia de los músicos. Se convirtió en una prueba de Rorschach sobre el papel de la empresa como pagador de la industria.
Para Spotify, el informe fue una prueba de que sus pagos son sólidos y de que un número creciente de artistas está ganando sumas sustanciales. El año pasado, 870 catálogos de artistas generaron más de $ 1 millón en pagos, casi el doble que en 2017, informó la compañía.
“Todos los números que estamos viendo nos llevan a sentirnos muy seguros de que esta es una industria menos impulsada por los éxitos y menos dominada por las estrellas, una que apoya mucho más los géneros y las bases de fans de nicho”, Charlie Hellman, vicepresidente de Spotify, dijo en una entrevista.
Para muchos artistas y críticos, esas mismas figuras contaron una historia diferente. La cantidad de artistas que generaron más de $ 1,000 fue de 184,500, pero dado que hay más de seis millones de perfiles de artistas en Spotify, eso significa que alrededor del 97 por ciento de ellos no logró alcanzar ese nivel.
Spotify responde que solo 472,000 artistas han cruzado un cierto umbral de actividad profesional, que la compañía define como haber lanzado más de 10 pistas y atraído a más de 1,000 oyentes mensuales en algún momento de 2020; 5,6 millones de artistas nunca han lanzado más de 10 pistas en total.
Pero incluso entre ese subconjunto de presuntos profesionales, como máximo el 39 por ciento de ellos ganó $ 1,000 el año pasado de Spotify.
¿Las compañías discográficas comparten la culpa?
En octubre, el Comité de Deportes, Medios y Cultura Digital del Parlamento abrió una investigación sobre la economía de la transmisión de música, y las audiencias, con cuestionamientos agresivos a los ejecutivos de tecnología y discográficos, que han fascinado a la industria. Se espera su informe en las próximas semanas y la especulación ha rebotado en las bandejas de entrada de la industria sobre qué recomendaciones, si las hay, hará el comité.
En una entrevista, Kevin Brennan, un miembro laborista que ha sido un crítico abierto de la transmisión, dijo que el comité podría considerar “si esta es una industria en la que hay un caso para algún tipo de defensor del pueblo o regulador independiente para ver si la industria opera de manera justa hacia los músicos y los consumidores “.
Algunos de los testimonios más duros no se han centrado en los servicios de transmisión, sino en las principales compañías discográficas. Por muy críticos que sean los músicos con la transmisión, a menudo se reservan lo peor para sus sellos discográficos y los términos de sus contratos, como las tasas de regalías y la recuperación de costos, que pueden mantener las cuentas de los artistas en números rojos durante años. ¿Y la propiedad de sus derechos de autor? Pregúntele a Taylor Swift o Kanye West qué tan importante es eso.
Brett Hite y James Sunderland de Frenship. El dúo le dio crédito a Spotify por convertir su canción “Capsize” en un éxito de transmisión.
Un ejemplo de esta tensión es el dúo de pop de Los Ángeles, “Frenship”.
En 2016, el grupo, con Brett Hite y James Sunderland, tuvo un gran éxito con ” Capsize “, grabado con la cantante y compositora Emily Warren. Frenship lanzó la canción de forma independiente y se agregó rápidamente a una lista de reproducción destacada en Spotify. “Capsize” registró 40 millones de transmisiones en 10 semanas, lo que generó 150.000 dólares en pagos, dijo el grupo.
“Spotify nos dio nuestra carrera”, dijo Hite en una entrevista.
Luego, el grupo firmó con Columbia Records, que inició una campaña de promoción radial en torno a “Capsize”. La canción no logró entrar en el Top 40 de la lista Billboard Hot 100, pero siguió siendo un éxito de transmisión constante, ahora con aproximadamente 570 millones de clics en Spotify. La banda se negó a revelar detalles específicos de su tiempo en Columbia, en su acuerdo de separación con el sello en 2018, acordó la confidencialidad, pero Hite resumió su tiempo con una anécdota sobre la compra de un automóvil en los meses posteriores a “Capsize”.
“Estoy mirando un BMW, y luego, cuando comencé a hacer el desglose, terminé alquilando una Honda CR-V”, dijo. “Dejaré que esa sea la narrativa de dónde nos llevó nuestra canción de éxito”. El grupo ahora está preparando su próximo lanzamiento de forma independiente.
Columbia se negó a comentar.
A pesar de las quejas de los artistas sobre sus sellos discográficos, los contratos en las principales compañías discográficas han evolucionado constantemente en los últimos años en formas que benefician a los artistas intérpretes o ejecutantes. Los acuerdos de empresas conjuntas y los compromisos más cortos son ahora más comunes, según ejecutivos de música, abogados y gerentes de artistas.
Y la importantísima tasa de regalías también está subiendo. Un estudio realizado por Steven S. Wildman de la Universidad Estatal de Michigan en 2002 que analizó cientos de contratos con grandes sellos de ese momento encontró que, en promedio, a los artistas que obtenían su primer contrato con un sello se les ofrecían tasas de regalías del 15 al 16 por ciento. Hablando ante el comité parlamentario en enero, Tony Harlow, director ejecutivo de Warner Music UK, dijo que desde 2015, los pagos de regalías de la compañía a los artistas han “aumentado del 27 al 32 por ciento”.
Eso puede ser un consuelo frío para los actos más antiguos que están atrapados con tarifas más bajas. Eve 6, la banda de rock alternativo cuyo éxito de 1998, ” Inside Out “, tiene más de 100 millones de reproducciones en Spotify, no recupera su contrato original, por lo que no gana nada de las transmisiones de esa canción, dijo Jon Siebels, el guitarrista de la banda.
¿Se puede cambiar la economía del streaming?
Spotify subió los precios de algunos de sus planes de suscripción en Estados Unidos, Gran Bretaña y Europa, lo que podría resultar en pagos ligeramente más altos para los músicos
Las campañas en línea de coaliciones flexibles de músicos parecerían tiros lejanos. Pero ya han avanzado más de lo esperado, llamando la atención no solo del Parlamento, sino también de Spotify y Apple. El mes pasado, en respuesta a años de presión de la industria de la música, Spotify subió los precios de algunos de sus planes de suscripción en Estados Unidos, Gran Bretaña y Europa, lo que podría resultar en pagos ligeramente más altos para los músicos (pero solo ligeramente).
Y se han retomado algunos cambios propuestos sobre la economía detrás del streaming. El mes pasado, SoundCloud trasladó a algunos artistas a un plan de regalías centrado en el usuario, una alternativa a la contabilidad prorrateada que algunos en la industria, incluidos muchos grupos de artistas, ven como un sistema más justo y transparente.
En lugar de tirar todo el dinero de los usuarios en un solo bote, el modelo centrado en el usuario segrega lo que cada usuario contribuye y luego distribuye ese dinero basándose únicamente en lo que esa persona escucha. Los defensores dicen que este modelo paga los ingresos por transmisión de manera más equitativa, ayudando a los artistas más pequeños. Por ejemplo, un fan que solo escucha jazz vería que su dinero se destina solo a artistas de jazz, no a estrellas del pop. Cuando SoundCloud anunció su cambio, destacó a algunos artistas independientes cuyos pagos mensuales, dijo, aumentarían hasta cinco veces.
Sin embargo, al igual que con algunas otras propuestas favorecidas por los músicos, como un cambio a una ” remuneración equitativa ” solicitada en la reciente carta al primer ministro británico, un programa que daría algo de dinero a los artistas directamente, en lugar de pasar por una compañía discográfica. Como lo ven los críticos, el plan tendría un impacto mínimo y en realidad sería menos transparente, lo que resultaría en una situación confusa en la que el millón de streams de un artista valdrían una cantidad diferente a la de otro artista.
Y en cualquier plan de redistribución, habrá ganadores y perdedores. Los perdedores bajo el enfoque centrado en el usuario probablemente serían las estrellas del pop. ¿Quién quiere decirle a Ed Sheeran o Drake que van a ganar menos dinero?
Para muchos artistas, las campañas ya han recibido mucha más atención de la que esperaban, lo que puede ser un estímulo suficiente.
“Cuando fue a la investigación parlamentaria, sentí ganas de hacer un puñetazo”, dijo Nadine Shah. “Sentí que, finalmente, la gente nos estaba escuchando. La gente se está tomando esto en serio. Solo tenemos que mantener el impulso “.
